Artesanías
Así se VIVIÓ el DESFILE DE ARTESANOS de la CDMX, 2025
Música, baile y fiesta a cada paso. Los artesanos chilangos fueron haciéndose presentes en el centro histórico de la CDMX para festejar y dar a conocer sus derechos.
El domingo 16 de marzo, en el Centro Histórico de la Ciudad de México, artesanos de todas las alcaldías se convocaron en el Museo de Arte Popular para poder realizar el Desfile de Artesanos. Este desfile es relativamente nuevo, con una antigüedad de tan solo 3 años. Surgió como una propuesta que busca erradicar los problemas a los que se enfrentan los artesanos urbanos. Este año, el desfile tuvo muchos cambios, logrando tener mayor visibilidad y el doble de diversión… ¡Acompáñanos a descubrirlo!
El INICIO del DESFILE DE ARTESANOS
El inicio de la preparación del desfile surgió a las 11:00 a.m., cuando los artesanos fueron citados en el Museo de Arte Popular (MAP) para poder realizar logística. En ella, se repartieron etiquetas y paquetes de agua que serían necesarios para el desfile.
Después, los artesanos se trasladaron a la Plaza Manuel Tolsá, frente al Museo Nacional de Arte (MUNAL), en la calle Tacuba. Este sería el escenario del banderazo del recorrido. En años pasados, el Desfile de Artesanos arrancaba desde el mismo Museo de Arte Popular; sin embargo, es importante decir que ese día una empresa de autos grababa un comercial en la calle del MAP, lo que hubiera impedido la salida.
Antes de iniciar, los artesanos se repartieron banderines que marcaban el gremio al que pertenecían: vitrales, metalurgia, cartonería, cerería, alfarería y muchos más; y terminaron de concordar sus posiciones dentro del desfile.
Banderazo del DESFILE DE ARTESANOS
A las 12:00 p.m. en punto, un grupo de danzantes aztecas se colocó en medio de la plaza. Los artesanos formaron un círculo alrededor de ellos para ser parte de un ritual donde fueron bendecidos.
Después de un rato, arranco el desfile. Fue encabezado por un grupo de 4 personas que sostenían un cartel que anunciaba la razón de la marcha: Artesanos de la CDMX. Detrás de ellos iban los danzantes aztecas, que no paraban de bailar y tocar música con un huéhuetl (tambor vertical) y caracoles.
Y detrás de ellos, se encontraban los colectivos, artesanos y talleres artísticos, formando una enorme caravana. Y mucho más atrás, justo al final, la comparsa de Caporales, “Los Auténticos”, animaba e invitaba al público a ser parte del evento.
El RECORRIDO del DESFILE DE ARTESANOS
El Desfile de Artesanos, camino al costado de la Alameda, por la Avenida Hidalgo. Justo cuando llegaron a la mitad, entraron por el kiosco y siguieron derecho hasta llegar a la fuente Américas, donde dieron vuelta a la izquierda para encontrarse con Bellas Artes.
Durante todo el recorrido, la gente de alrededor miraba el espectáculo. Policías y barrenderos de la ciudad detuvieron por unos minutos sus labores para poder presenciar el desfile. La música no se detuvo en ningún momento, y los artesanos bailaban y presumían con orgullo sus banderines y las piezas de su trabajo.
Al llegar a Bellas Artes, colocaron dos enormes mantas sobre el piso, donde estaba pintada una impagen de Quetzalcóatl, la Serpiente Emplumada.
Los artesanos se colocaron en media luna alrededor de la manta. Algunos gritaron sus peticiones y frases de celebración. Entre ellas, se mencionó la importancia de consumir la artesanía original mexicana y dejar de lado la artesanía realizada por grandes manufactureras. Se gritó que los artesanos no deberían de ser olvidados, pues son quienes le dan color a la ciudad. Finalmente, se dio en viva voz algunas de las peticiones de trabajo y venta que se piden, como mejores condiciones de espacio, mayor difusión e incluso apoyo visual. Finalmente, se tomó la fotografía oficial del desfile y se coreó la palabra “Artesanos”.
FIESTA hasta NUNCA ACABAR
Después, se colocaron en la entrada de Bellas Artes para continuar su festejo. Música, baile, gritos y chiflidos no se hicieron esperar. Los artesanos aprovecharon para dar a conocer su arte con el público que los había ido acompañando durante el recorrido. E incluso, muchos visitantes de Bellas Artes salían del recinto para descubrir el desfile.
Joyería, cartonería, escultura en piedra e incluso textiles fueron parte de las piezas mostradas. Muchas personas, incluidos extranjeros, aprovecharon para poder preguntar y conocer más sobre las artesanías y sus creadores.
Después de casi media hora de fiesta, el desfile volvió a formarse y partió de Bellas Artes caminando por la Avenida Juárez; giró por la calle Revillagigedo (entre el hotel Hilton y la Cervecería), para poder entrar por la puerta trasera del MAP.
La FIESTA CONTINUA
Dentro del museo, los artesanos aprovecharon para poder refrescarse, comer algo y seguir bailando. La fiesta continuó con más música; las piezas se veían levantadas sobre las cabezas, presumiéndolas con orgullo. Los visitantes del MAP los miraban desde los pisos superiores.
En un pequeño intermedio, el cartonero Israel Mondragón Ayala, uno de los encargados de la gestión del desfile, dio el aviso de la venta de la revista del Colectivo Artesanal. Además pidió se firmara el apoyo a la propuesta legislativa. Estos datos serían llevados a la fiscalía para poder gestionar la mejora de las leyes hacia el artesano.
PASARELA de MÁSCARAS CHILANGAS
Finalmente, la celebración concluyó con la Pasarela de Máscaras Chilangas. Los participantes portaron su máscara, número de identificación y bailaron en círculo, caminando por el centro del Museo de Arte Popular. Los asistentes chiflaban y gritaban a sus favoritos, animándolos a seguir bailando. Al detenerse la música, los participantes dejaron el centro de baile y regresaron con sus amigos y familiares, dando fin al evento.
Desde la OJOS del ARTESANO
Durante todo el desfile, El Souvenir se dio a la tarea de hablar un poco con los artesanos asistentes, buscando conocer más de su percepción sobre el evento. Entre ellos, nos encontramos a “Shunka, libretas artesanales“. Esta artesana desfiló con una caja de madera, donde exhibió decenas de pequeños cuadernos fabricados por ella misma.
EL SOUVENIR: ¿Por qué participas en el Desfile de Artesanos?
SHUNKA: Porque creo en las causas que se están pidiendo aquí. Es importante que se unan todos los artesanos para poder tener los derechos y más espacio, y que nuestro trabajo sea considerado digno.
EL SOUVENIR: ¿Cómo te sientes siendo una artesana de la CDMX?
SHUNKA: Pues a veces un poco apartada de todo a lo que se le puede decir artesano. Se nos tiene muy apartados a los artesanos de ciudad. No entramos en muchos eventos por no ser como los artesanos de pueblos o lugares que ya son conocidos por sus artesanías.
Otro de los artesanos que se hicieron presentes fue Jorge Avilés, un juguetero de la alcaldía Tláhuac.
EL SOUVENIR: ¿Qué cree que es lo que se debería hacer como consumidor de artesanías?
JORGE AVILÉS: …Consumir lo mexicano… Hay que ser artesanal. Yo cada vez hago menos juguetes porque mi edad no me lo permite. Pero no me quejo porque los que hice ya cumplieron la función que debieron de cumplir; aun así tengo que seguir pensando qué nueva artesanía crear a partir del entorno de mi ciudad.
El ORIGEN del DESFILE DE ARTESNOS de la CDMX
Como dijimos en un principio, el Desfile de Artesanos es relativamente nuevo, siendo desconocido aún para muchos amantes del arte. Para conocer más sobre él, platicamos con el cartonero Israel Mondragón Ayala, uno de los encargados de la gestión del desfile.
Nos comentó que el evento surgió hace 4 o 5 años, justo con la pandemia del COVID-19. Fue iniciado por la Red de Artesanos Anáhuac, pero al verse involucrados tantos tipos de arte, se busca que la organización sea de todos: talleres, investigadores e incluso académicos. Esto mismo hace que el colectivo carezca de un nombre.
La idea giraba en torno a solucionar los problemas que sufren los artesanos en la urbe, como la falta de espacio para vender, la discriminación por trabajar dentro de la ciudad. Además de que han sido desplazados por pseudoartesanías de manufactureras asiáticas.
Las soluciones que han existido hasta ahora son algunos apoyos que no logran beneficiar a todos los artesanos. El resto se reduce a programas de expo venta, que al final no logran erradicar el problema. En ese momento, nadie realizaba una propuesta operativa para poder solucionar el problema de raíz. Para poner el tema sobre la mesa y buscar soluciones, se organizó un seminario digital artesanal de la Ciudad de México.
De este modo, se buscaron los diferentes problemas que tiene cada una de las comunidades artesanales dentro de la ciudad. Desgraciadamente, estos seminarios no siempre tenían la participación necesaria; muchos artesanos no tenían tiempo, o buscaban soluciones específicas. De este modo, se decidió la idea de migrar los seminarios a un desfile, creando el Desfile de Artesanos de la CDMX.
Los PRIMEROS AÑOS
En 2023, en el primer año del Desfile Artesanal, solamente participaron cerca de 50 artesanos. El segundo año, participaron 100 artesanos y se les sumó el Museo Franz Mayer. Sin embargo, los colectivos decidieron organizarse por comisiones: comisión de finanzas, coordinación, gestión, difusión y alimentos.
De este modo, el número de artesanos aumentó considerablemente. Caabe recalcar, que el desfile busca mostrar el músculo artesanal de la CDMX, evidenciando que realmente hay muchos artesanos, algo que no se pudo lograr al 100% con los seminarios. Así se podrá avanzar a la propuesta legislativa. Se sabe que tal vez durante la propuesta no acudan todos los artesanos, pero el desfile es el vestigio de que están aquí.
Conociendo MÁS del MOVIMIENTO del DESFILE DE ARTESANOS
EL SOUVENIR: En caso de que se logre aprobar la propuesta legislativa, ¿se piensa continuar con el desfile?
ISRAEL: Sí, porque son dinámicas diferentes. Hay diferentes legislaciones que desafortunadamente no son aplicadas, a pesar de que se han ratificado a nivel internacional. Si el desfile no se realiza, podríamos ser solamente una institución sin dientes… que no demuestra su voz. Entonces queremos que el desfile y otras acciones acompañen esas propuestas legislativas.
EL SOUVENIR: Existen diferentes desfiles de artesanos en el resto de México, como en Uruapan o Jalisco. ¿Pensarían en un futuro agrandar el desfile para darle lugar a artesanos de otros estados?
ISRAEL: A diferencia de otros estados donde la artesanía está bien definida, la Ciudad de México es un caos total. Encuentras artesanos de todo tipo… Lo que queremos es que se amplíe, pero que se tenga la idea muy fija de que es un desfile multicultural, que no hay un solo tipo de artesanía. Queremos que crezca para los otros años. Sin embargo, el desfile solo es la cereza del pastel, la estrella que todos en la Ciudad de México van a poder ver; la realidad es que hay un trabajo mucho más grande detrás de él… pero si queremos invitar a otros estados, pues incluso en la ciudad hay comunidades artesanales de otros estados.
¡VISITA el DESFILE DE ARTESANOS!
Como puedes ver, el Desfile de Artesanos es un tesoro que aún sigue siendo descubierto por muchos. Es parte de una historia que busca posicionar y ayudar a nuestros artesanos que, como puedes ver, pueden llenar las calles de la ciudad. Por ahora, este desfile ya paso, pero su objetivo sigue en pie, así que te invitamos a disfrutar y conocer más sobre la artesanía de la CDMX. Y recuerda asistir al desfile del próximo año, que usualmente se celebran en el marco del 19 de marzo, Día del Artesano. ❖
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Artesanías
Las MÁSCARAS KOLLON: Los rostros olvidados de CHILE
Usadas en las ceremonias mapuche, en las guerras y como utilería de payaso, estas antiguas y poco recordadas máscaras son parte esencial de la historia latina.
De origen mapuche (considerado el pueblo indígena más numeroso de Chile y Argentina), las máscaras Kollon —o también conocidas como máscaras mapuches— son artefactos usados desde tiempos inmemorables. Y a pesar de su larga existencia, el mundo se ha ido olvidando de ellas, lo que también lleva al olvido un extenso pasado lleno de guerras, rituales ancestrales, risas e incluso prohibición. Es por eso que en esta ocasión te invitamos a descubrir uno de los semblantes más extraños e interesantes de toda Latinoamérica…
Los SIMBOLISMOS del KOLLON
Las máscaras Kollon tienen una historia llena de simbolismo y significados. La razón es que estas máscaras tuvieron diferentes usos durante la antigüedad, pasando a tener gran presencia en ritos ceremoniales, en donde servían como máscaras para que los guardias castigaran a los que no ponían atención. También fueron portadas por payasos que buscaban sacarle una sonrisa a cualquier persona. E incluso, fueron usadas como feroces máscaras de guerra, que fungían como una forma de intimidar al enemigo.
Al final, entre tantos usos, estas máscaras fueron perdiendo un poco de su significado. Lo que sí se sabe es que “Kollon” significa rostro en mapudungun, lo que se traduce como “rostro oculto” u “otro rostro”. Y a pesar de que la mayoría de máscaras tienen un semblante raro y humano, estas pueden representar a seres espirituales, a ancestros de la comunidad o incluso personificar mensajes de otro mundo.
Es decir, las máscaras Kollon canalizan voces que no pueden hablar directamente, como los muertos, los espíritus del bosque o entidades protectoras. Eso significa que ponerse una máscara Kollon implica convertirse en otro.
El olvido a las MÁSCARAS KOLLON
Con el paso de las décadas, entre 1520 y 1536, cuando llegaron los colonizadores españoles a lo que conocemos actualmente como Chile y Argentina, las máscaras Kollon comenzaron a ser satanizadas, con el objetivo de imponer las creencias europeas en los nativos. Fue así como muchas de estas máscaras, junto con sus tradiciones, comenzaron a perderse con el paso de los años. La prohibición fue absoluta, y solo unas pequeñas piezas fueron rescatadas, siendo ahora valiosos objetos exhibidos en museos.
En la actualidad, se pueden encontrar máscaras Kollon en el Museo de Arqueología e Historia Francisco Fonck, en Viña del Mar (con 3 ejemplares). También las hay en el Museo Nacional de Historia Natural, en Santiago (con 15 ejemplares). Y hay unas más en el Museo Andino en Buin (con 2 ejemplares). La mayoría en Chile.
¿Cómo se hacían las MÁSCARAS KOLLON?
La elaboración de las máscaras Kollon se realizaba en tallado de madera en una sola pieza (la mayoría hechas de raulí, roble y laurel). Estas eran talladas por ambos lados: por el frente, se les daba forma de rostro, con ojos, nariz y orejas. Y por la parte trasera, se le daba espacio para la nariz del portador. En general, estas máscaras tenían orificios para los ojos y la boca, y eran decoradas con pintura, grabados o aplicaciones de pelo de animal, para formar bigotes, barbas, cejas o cabello.
También hay ejemplares más raros, como una máscara Kollon hecha de metal, otras de cueros de animal e incluso una hecha de caparazón de tortuga. Estas últimas exhibidas en el Museo Nacional de Historia Natural de Chile. Y a pesar de que su uso está mayormente extinto y se mantiene poco arraigado a las comunidades mapuches actuales, ahora fungen el papel de símbolos de resistencia y transformación cultural…
¡Conoce las MÁSCARAS KOLLON!
Hoy en día, las máscaras Kollon son difíciles de encontrar en el mercado, pues se trata de objetos históricos de invaluable valor. Aunque sí es fácil encontrar réplicas en mercados o bazares de artesanías. Además, diferentes museos y centros culturales de Chile suelen realizar conferencias, talleres y demostraciones de la elaboración de estas piezas, así como explicaciones para niños.
Y es que las máscaras Kollon son un interesante material histórico que, si tienes la oportunidad de conocer, te recomendamos que lo hagas. Y no solo por ser un recuerdo de lo perdido, sino por ser un recuerdo de lo que no tenemos que olvidar. ❖
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Artesanías
El JABÓN de ALEPO: Un cosmético con MILES de años de antigüedad
Uno de los jabones más antiguos del mundo —que incluso se dice que era utilizado por Cleopatra— aún se hace en la actualidad, y es uno de los tesoros más grandes de Siria.
El jabón de Alepo, también llamado “el oro verde de Siria” o jabón Ghar, es conocido por ser, quizá, uno de los jabones más antiguos del mundo. No ha cambiado su fórmula para nada, y continúa transmitiendo un largo legado de beneficios cosméticos. Es considerado como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO, siendo de los pocos productos en haber sobrevivido a cambios históricos, invasiones, divisiones geopolíticas, guerras y, sobre todo, a la tecnología.
Y es que el jabón de Alepo tiene sus orígenes en la ciudad siria de Alepo; algunas fuentes mencionan que hace más de 4000 años comenzó su producción. Esto simboliza una gran muestra de innovación, pues la realidad es que en la antigüedad, los jabones eran una suerte de emulsiones jabonosas líquidas. Pero en Alepo se realizó por primera vez el proceso de saponificación (proceso de realización del jabón), mezclando aceite de oliva (metraf), aceite de laurel (ghar) y sosa natural.
Un PROCESO artesanal. ¿Cómo se HACE el JABÓN de ALEPO?
El jabón de Alepo, sorprendentemente, sigue realizándose de la misma forma en la que se realizaba en la antigüedad. Desgraciadamente, debido a la guerra, los talleres se encuentran en túneles en la ciudad de Alepo. La magia solo comienza en el otoño… Las familias que producen este milenario jabón recolectan las bayas de laurel silvestre en los bosques; estas son hervidas en agua. Cuando el aceite sube a la superficie, se desnata.
Finalmente, en diciembre comienza la producción del jabón. La sosa y los aceites se cocinan, se vierte la mezcla sobre enormes moldes en el suelo y se deja enfriar por 2 días. Es entonces que los artesanos caminan por encima, utilizando una barreta que va cortando las barras. Después, los jabones se marcan con unos sellos que contienen el nombre de la familia que lo fabrica, ya que se trata de conocimiento que es pasado de generación en generación.
Una vez que el jabón de Alepo se corta, se conservan a través de un sistema de torres; el mínimo que se deja añejar un jabón es de nueve meses, aunque algunos se añejan por hasta tres años. El resultado es un jabón muy firme, que no pierde su aroma, sin aditivos ni conservadores, y 100% amigable con el medio ambiente. Lo mejor de todo esto es que las barras de jabón de Alepo original se pueden conseguir en línea. El costo puede alcanzar hasta los $100 MXN por barra ($5.50 USD).
Los BENEFICIOS del ORO VERDE de SIRIA
El porcentaje de aceite de laurel en cada jabón de Alepo puede variar, pues los hay en diversas concentraciones. Del 5% al 15% son más económicos y se pueden usar diario en todo tipo de piel.; del 15% al 25% es jabón para piel mixta y se pueden usar diario. Y del 30% al 40% es para pieles grasas y se usa contra la caspa.
Los más elevados van del 40% al 80% y se recomiendan para pieles con problemas como psoriasis, eczema o acné. Se puede usar su espuma para lavar el cabello, como mascarilla al aplicar en el rostro, y si se deja reposar, como espuma de afeitar. Además, es buenísimo para lavar ropa (incluso si es ropa blanca). Es gracias a estos beneficios rebosantes que incluso se dice que el jabón de Alepo era parte del ritual de belleza de Cleopatra.
El JABÓN de ALEPO… ¿Es verde o café?
El color de un jabón de Alepo es café por fuera, porque el proceso de oxidación de los aceites, al estar en contacto con el aire, los cambia. Pero al partir una barra, su interior es verde, por toda la clorofila que ha permanecido intacta. Este jabón también se ha comenzado a fabricar en lugares cercanos a Siria, como Turquía, Túnez e incluso en Francia, pues muchos artesanos jaboneros que emigraron o se exiliaron, escapando del ambiente bélico de su ciudad para continuar con la tradición. Para asegurar que tu jabón es original, busca la mención en árabe de “Alepo”, que es esta: حلب.
Este jabón es un gran aliado de los viajeros gracias a su multifuncionalidad, pues algo que puede sobrevivir por tantos miles de años no podría ser más que extraordinario. ❖
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Artesanías
Conociendo el SALTERIO: Las cuerdas olvidadas de la ORQUESTA MEXICANA
Un sonido suave, relajado y lleno de vida ha acompañado a tradiciones y costumbres mexicanas durante años, y la razón viene de este mítico instrumento de madera…
En México el arte no solo se ve, sino que también se escucha, y un claro ejemplo de ello es el salterio: uno de esos instrumentos que crean un sonido tan representativo del país que, a pesar de su poca visualización, aún se niegan a desaparecer. Y es que este instrumento suena desde Jalisco, Querétaro y hasta Tlaxcala.
Su sonido recuerda a orquestas religiosas y danzas típicas, pues, a pesar de tener su origen en Medio Oriente, ha vivido en México desde el siglo XVII y fue fuertemente adoptado junto a instrumentos como la marimba (de origen africano), la guitarra séptima mexicana y el bandolón (de origen alemán).
El SONIDO del PATRIMONIO inmaterial
Aunque en zonas de Jalisco y Querétaro el salterio tenga un gran valor para las comunidades de músicos, es Tlaxcala el que tiene este instrumento como Patrimonio Inmaterial del Estado desde el 2016. Esto gracias a que en el municipio de Atltzayanca, el salterio se sigue fabricando a mano, con métodos tradicionales heredados de generación en generación.
Este instrumento está compuesto por varias cuerdas metálicas tensadas sobre un “tambor” en forma de trapecio. Está hecho de maderas como el nogal, el pino canadiense, la caoba o maderas viejas, que le dan su sonido dulce característico. El tamaño puede variar según el fabricante, pues un salterio puede tener de 90 hasta 120 cuerdas, las cuales se tocan con ambas manos y una uña de metal o plástico.
Cada instrumento tarda entre 20 días y medio año en hacerse, y puede costar desde $4,000 MXN ($217 USD) hasta los $20,000 MXN ($1,084), esto según las decoraciones, tamaño y tipo de madera que pida el cliente.
¡Así SUENA el SALTERIO!
A pesar de que pueda ser un poco desconocido para algunos, el salterio en México es bastante escuchado, pues es parte de la armonización de distintas melodías y baladas mexicanas. Durante el porfiriato, fue uno de los instrumentos más populares en las regiones de Guanajuato, Querétaro, Hidalgo, Puebla, Morelos, Estado de México, la Ciudad de México (antiguamente conocida como Distrito Federal) y Tlaxcala, que hasta ahora es el único estado con una escuela de salterio, ubicada en Atltzayanca.
Con el paso del tiempo, este instrumento fue pasando desapercibido, y los nuevos músicos ya no lo consideraban necesario en su trabajo. Sin embargo, es posible aún encontrarlo en orquestas mexicanas, algunos mariachis y grupos de boleros.
Además, entre los artistas que han basado su trayectoria en este instrumento, nos encontramos con Eulalio Armas y Sus Salterios, el Dueto Dulcemelos (que también cuentan con la orquesta infantil Makochi Dulcemelos) y el maestro Daniel Armas Salterio, que también ha participado en el Festival Internacional de Salterios en Atltzayanca.
El SALTERIO y la belleza saliendo de sus CUERDAS
En México, el salterio te transporta a esos pueblos mágicos coloniales, sonando por calles coloridas y transmitiendo un sonido y un ritmo que te invita a zapatear. Sus cuerdas metálicas, acompañadas de guitarras, tambores y flautas, aún no dejan de tocar del todo, pues la tradición del salterio resiste a la pérdida, con fuerza y carácter, que preservan un sonido muy mexicano. ❖
#NuncaDejesDeViajar
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